“Si somos más y hablamos más parejo, ¿por que estar siguiendo a una bola de pendejos?”

Machete

Dirección: Robert Rodríguez

Guión: Ethan Maniquís

País: USA

Año: 2010

Elenco: Danny Trejo, Robert De Niro, Lindsay Lohan, ichelle Rodríguez, Jessica Alba, Steven Seagal.

Uno: cuando uno se sienta en su butaca a ver Machete, lo primero que se debe tener en cuenta, es que es una película de Robert Rodríguez, director de “From dusk till down” y “Planet Terror”, entre otras, y eso es sinónimo de acción.

Dos: También (aunque no lo sepan de antemano) se percibe a las claras en su estética general que Robert Rodríguez, como realizador, que es un buen socio artístico y amigo del gran Quentin Tarantino, y eso siempre es una buena noticia.

Machete es una película sumamente agíl, rápida, y tiene la característica de estar montada de manera tal que toda la película parece una trailer comercial, ¿por que?, por que sencillamente es veloz, y está plagada, sí, repleta de momentos significativos, totalmente atractivos, dignos de cualquier trailer promocional.

El atractivo de esos momentos, está dado por la sorpresa, el humor, la acción, todos conjugados, puestos juntos dentro de una misma película para desbordar al espectador, de humor, sangre, acción y filosos machetazos, por supuesto.

Hablando de machetazos, no debemos dejar de mencionar la genial polisemia que adquiere ese objeto machete, dentro de la película, ya sea por ser el nombre del protagonista, también su arma y por estar siendo utilizado como tal, fuera de ámbito “natural” (el campo) del machete, si se quiere, ahi radica su relación con la trama ideológica del film, al ser machete arma en la lucha identitaria, y territoritorial, de la frontera entre Mexico y EE.UU.

Si señores, Machete es, además de todo, una contundente crítica a la política inmigratoria estadounidense, a sus fronteras duras, al muro electrificado que Bush dispuso a lo largo y a lo ancho de la frontera entre Mexico y EE.UU antes de dejar la presidencia de este último. Desde todo punto de vista, su protagonista Danny Trejo, es Machete y usa el machete contra el abuso y la explotación de la que él, sus compatriotas, y aliados a su causa (podria decirse que toda Latinoamérica estaría de su parte) padecen corrientemente de parte del imperio vecino.

Claro está que Machete no ahorra en ridiculizar ciertas figuras que representan instituciones de control y gobierno norteamericano, el senador sureño, encarnado por Robert De Niro, inescrupuloso y corrupto, o el “sheriff”, alguacil de frontera que interpreta Don Jonson (un gran regreso a la pantalla grande) criminal y asesino, son prueba de ello.

Mención aparte para el elenco: primero Danny Trejo, encarnando a Machete, rudo, caballero valiente, devenido el más inesperado e improbable sex symbol, casi increíble, pero brillante; Steven Seagal, como si el tiempo no hubiera transcurrido, igual de enorme, duro y feroz que siempre; Michelle Rodríguez, se prueba otra vez un papel que claramente le queda cómodo, y lo hace muy bien, ella es “She Guevara” (GENIAL!!! Adaptación y cita del apodo de un símbolo indiscutible de la revolución y de la causa anti imperialista) una guerrera, que cuando adviene el caos, es de armas tomar, siempre dispuesta para luchar por la causa, atenta refunfuñando al ver cualquier guarda de frontera desde su camión/puesto de tacos. Por último tenemos a una Jessica Alba más latina que nunca, sexy, como siempre, mostrando un poquito de anatomía, (la cuota sensual la cubren otras damas del cast) y dando muchas patadas; las palabras finales de este párrafo, para Lindsay Lohan, graciosa, impulsiva y caprichosa, pero genial, una muy buena participación dentro de este heterogéneo y gran elenco.

Bueno gente, no puedo a estas alturas decir otra cosa, que se apechuguen y vean Machete, van a ver momentos desopilantes, de mucha acción, escenas de antología, y frases para la historia dispuestas a cautivar a todo espectador que se le ponga en frente.

MC

Official Machete Trailer HD

“Because the wind is low, it blows my mind"

Across the Universe
Dirección: Julie Taymor
Año: 2007
País: USA
Elenco: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderson, Dana Fuchs, Martin Luther McCoy, T.V. Carpio

La fórmula de Across the Universe es simple: muchos temas musicales de una de las mejores (si no la mejor) bandas de rock de la historia, The Beatles, hilvanan un relato que nos cuenta sobre una época, salpicado con un poco de la autobiografía de los Beatles y del rock and roll de ese momento también con buenas y originales versiones de sus temas.

Los personajes son icónicos, todos llevan el nombre del título de algún tema Beatle (Jude, Lucy, Sadie, Prudente, Max o Jojo) y son bien figurativos de los estereotipos de los 60`s y 70`s.

Todo esto en conjunto nos invita a disfrutar de un film súper agradable, emotivo y sobretodo, repleto de geniales canciones, es una película compuesta como un gran video clip que amalgama dentro de si otros pequeños clips, que no pretende ni llevarnos a una reflexión histórica profunda, aunque la haga en alguna medida, ni hacer un revisionismo obsesivo de la historia de los Beatles, aunque también lo haga en parte. Primordialmente busca emocionarnos con su música, con las historias que va narrando, de las distintas parejas, la música, el arte y con eso se basta porque es efectiva.

Un timing adecuado, una puesta que hábilmente va jugando con la psicodelia para brindar una paleta de colores amplia y llamativa, una edición muy ágil, digna de este formato, configuran a este film como un gran videoclip, atractivo y dinámico, que sabe dosificar estados y que està repleto de momentos tiernos y adorables, que el espectador sabrá disfrutar.

La película tiene un gran logro y es el de no caer en golpes bajos y poner bien en alto la bandera de la tolerancia, del respeto, la libertad, el amor y sobre todo mucho Rock and Roll.

Sin lugar a dudas, los verdaderos ideales de la bohemia se reeditan y hacen presentes en Across de Universe en distintos formatos, plenitud de color, de imágenes cautivantes, sorprendentes y una banda sonora que no ahorra ni en citas ni en homenajes, todo eso tamizado por vitales actores jóvenes y talentosos que se entregan a esos personajes y nos brindan un film adorable!. Digno de ser visto en grupo de amigos o de la mano de algún amor.

MC

Across The Universe Trailer

¿Luz del Alma?

Eat, Pray, Love
Dirección: Ryan Murphy
País:USA
Año:2010
Elenco: Julia Roberts, Javier Bardem, Billy Crudup, James Franco.

Liz viaja a Bali por trabajo y a su retorno se da cuenta que es infeliz, que su matrimonio no funciona y que su vida tiene que cambiar de rumbo. Ella es escritora, tiene unos cuarenta y algo de años y buen pasar económico. En busca de nuevas aventuras Liz emprende un viaje por el mundo para reencontrarse a sí misma.

Hay que destacar en principio que la fotografía de la película es preciosa, los paisajes y lugares que Liz visita: Italia, Bali, etc., son bellos y de un cuidado visual muy correcto.

La trama no parece alcanzar la profundidad emocional a la que quizás aspire, siendo que se narra una experiencia de introspección y profundo autoconocimiento. Julia Roberts compone un personaje, Liz, que a pesar de querer librarse de ataduras, para centrarse en ella, en su derrotero espiritual, procede siempre con tanta rigidez y frialdad metodológica (como buena norteamericana que es) que casi se opone al objetivo con que emprende el viaje. Como ejemplo de ello, sobre el final del film se reiteran escenas donde se recrimina no estar meditando lo suficiente, no estar obedeciendo a su maestro Ketut o incluso que por culpa de vivir un romance se perjudica a si misma, por que se perdería.

Son pocos los momentos donde se conecta verdaderamente consigo: algunas tomas de ella meditando o cuando después de hablar con su amiga italiana, decide disfrutar su comida y se sirve toda una mesa en el piso, pero estas no abundan.

Javier Bardem compone con mucha emoción a Felipe, un hombre brasilero que se conmueve, que es pasional y que llora al ver a su hijo por ejemplo, diametralmente distinto a Liz, llegando al punto de reclamarle a ella, ya en el pináculo de su romance, algo de lo expuesto en los párrafos anteriores.

En resumen, la introspección de Liz, viene de fuera de ella, la búsqueda de “su palabra” parece más complejo que de de antemano. Para más datos, cuando se precipita el final del film y ella va a despedirse de Ketut, este le brindará más revelaciones sobre sí misma que nuevamente cambiarán el rumbo de ella vertiginosamente.

Un círculo narrativo se enlaza, una "palabra" aparece de su propia voluntad, un final, que es un recomienzo y que no escatima una trama muy de género comedia romántica, que ciertamente nos deleita con paisajes espléndidos pero que no alcanza a conmover profundamente.

MC

EAT PRAY LOVE Trailer

¿Que ves cuando me ves?

El hombre de al lado

Dirección: Mariano Cohn y Gastón Duprat

País:Argentina
Año:2010
Elenco: Rafael Spregelburd, Daniel Araóz

En rigor de verdad lo primero que hay que afirmar al escribir unas líneas sobre El hombre del al lado, (una gran película Argentina, una más y van!), es que sus directores, la dupla Mariano Cohn/ Gastón Duprat, quienes hace años nos sorprendieron con la innovadora propuesta de Televisión Abierta, la misma que viene entregando últimamente buenas películas, con guiones y temáticas interesantes, y sobretodo una muy atractiva exploración del lenguaje cinematográfico.

En esta película el argumento es simple y excelente: tenemos de un lado a Leonardo, arquitecto, un profesional exitoso, adinerado, que tiene el privilegio de vivir en la única casa que Le Corbrusier construyó en América Latina. Además es un padre odiado por su hija y un marido de cualidades dudosas.

Por el otro lado Víctor, directo, bohemio, familiero, sencillo, vecino de Leonardo, que haciendo reformas en su casa, buscando “un cachito de sol”, decide por su cuenta hacer una ventana en la pared medianera que linda con la casa de Leonardo, quien siente vulnerada su intimidad y la estética de su exclusiva propiedad y así se desata el conflicto.

El film tiene varios hallazgos interesantes: uno, sus geniales actores, el gran actor y dramaturgo Rafael Spregelburd (Leonardo) y Daniel Aráoz, fantástico en su papel de Víctor, dos, también escenas que se constituyen como reflexión y crítica de la sociedad en que vivimos, como por ejemplo cuando Leonardo y su esposa cenan con una pareja de amigos, el esnobismo y el tono pedante y jactancioso, sacan a relucir una faceta poco amable de nuestro co protagonista, también eso mismo se puede observar en la entrevista televisiva que le pretenden hacer, o en el escueto monologo proferido a su hija, donde exclusivamente señala unos muñecos comprados en el Museo de Arte Moderno de Nueva York..

Víctor por su parte, invita a Leonardo a tomar mate en su camioneta y allí le revela su novedoso sistema para calentar el agua, después le regala a una obra de arte de su autoría, realizada con las “balas de los fusiles”, esa pieza es sistemáticamente despreciada tanto por Leonardo (que de compromiso se termina llevando la escultura a su casa, a pesar de considerarlas "feas") y su esposa que al verla en la casa, se horroriza y lo insulta por haberla aceptado.

Esto último resulta fundamental, ya que esas mismas esculturas constituyen un gesto irónico y genial, sin dudas una mordaz crítica al mundo del arte (tema que la dupla de directores ya viene trabajando en films anteriores) manifestando en diversos aspectos del film la oposicición entre arte legitimado (Leonardo, sus diseños, Le Corbruisier, sus objetos de decoración del MoMA de New York, etc) versus el arte, popular, "feo", "outsider" (Víctor, sus esculturas, su invento, y definitivamente su ventana), lo interesante es que esas esculturas "feas" fueron en realidad hechas por artistas absolutamente reconocidos y legitimados, como el gran León Ferrari, este guiño, es otra clave fundamental para la lectura del film.

Un dato interesante es que en medio del film, Leonardo recibe en su casa a un grupo de técnicos de una agencia de alarmas y seguridad, planeando la instalación de un dispositivo de seguridad para su propiedad.

De alguna manera durante todo el film, la fachada de estabilidad e integridad de Leonardo se va desmoronando: la relación con su esposa e hija, su rol de profesor universitario, hasta caer muy bajo.

La película nos pone en un lugar incómodo, pero necesario: un poco árbitros en el conflicto, un poco espectadores críticos y reflexivos, de la situación general que que esta plantea. Sin dudas, El hombre de al lado, dará que hablar y debatir, así lo amerita, por que màs allá de ser una gran película es una profunda representación crítica de nuestra sociedad, y nos muestra el alto precio que debemos pagar por los caprichos injustos y sobretodo el costo de la hipocresía mas baja.

Mención aparte esta película brillante, estrenada el último cuatrimestre de este año, con su llegada corona un 2010 memorable para el cine nacional, pleno de premios y muy buenos films.

MC

EL HOMBRE DE AL LADO TRAILER OFICIAL

Hasta que duelan las manos

Kick ass
Director: Matthew Vaughn
Pais: EE.UU.
Año: 2010
Duración: 106 min
Elenco: Nicolas Cage, Chloe Moretz, Christopher Mintz-Plasse, Aaron Johnson, Mark Strong.

Basado en el cómic homónimo escrito por Mark Millar y dibujado por John Romita Jr., Kick Ass retrata la metamorfosis de Dave Lizewski. Este protagonista es el típico geek/nerd/looser de gafas, fanático de las historietas y sin éxito alguno con el sexo opuesto que en busca de un cambio radical y tras un severo accidente, se calza un traje verde comprado online y se convierte de la noche a la mañana en el superhéroe del momento más visto en Youtube y dueño de una red social increyente. A su vez, una padre y su hija recaban información y se entrenan preparando una venganza. Estos paralelos se unirán en un infinito de diversión atrevida y grotesca, con buenos personajes y patadas voladoras, tiros, golpes y peleas de todo tipo, coreografiadas a lo Matrix y salvajemente irónicas a lo Kill Bill.

Pocos héroes de cómics no tienen superpoderes, el caso más paradigmático puede ser el de Batman y Robin y sus enemigos mortales que dentro de un rango de grotesco y bizarrez hacian uso de la astucia y secuaces inútiles para acometer sus crímenes. De igual forma, Kick ass se presenta como un súperhéroe moderno sin ningún super poder más que los cojones y buena leche para salir invicto de los boleos más violentos.

Retrato de la adolescencia, heroés modernos, sarcasmo e ironía y guiños clásicos de las comedias de adolescentes yanquis congrúen en este largometraje que mantiene intactos los mandamientos básicos del cómic siguiendo de pies a cabeza todos los lugares comunes de las historias de superhéroes, desde el paria social convertido en justiciero enmascarado, los amores imposibles y la némesis maligna.
De factura técnica impecable, hiperviolenta y rídiculamente entretenida este film cumple con las expectativas, actuaciones correctas en las que sobresale sin lugar a dubitación la pequeña Chloe Moretz, destila verdadero amor por el cómic de superhéroes y se destaca por su tono de comedia irónica. Pochoclo a la mano para pasar el rato!


Sweet child of mine

Merece un apartado especial la brillante Chloe Moretz en el papel de Hit Girl. Se roba dos de las mejores escenas del film: la escena con visión nocturna en la que logra arremeter contra todos los villanos pese a que su padre yace en llamas, y la escena final en la que aparece como una inocente colegiala y sin despeinarse se carga a unos cuantos "monos". Sin duda, le pone el pecho a las balas (literalmente) y logra una química muy especial con un Nicolas Cage que demuestro que sabe quedarse en un segundo plano.

Super freak

Todos lo amamos como McLovin en Superbad (la frase "What´s up, what´s up?!" es tremenda) y desde ahi es jubilosa su presencia. En esta oportunidad, con su cara de bufón y su voz nasal encarna al hijo del villano cuya necesidad de aprobacion paternal es urgente. Si bien logra empatía con su enemigo logra emboscarlo y tomara parte en la defensa de su progenitor. Sin duda, un actor que destaca por su comicidad e inocencia.

LD

Trailer Kick Ass

Un monstruo grande que pisa fuerte

Burried
Director: Rodrigo Cortés
País: España/USA
Año: 2010
Elenco: Ryan Reynolds

A primera vista parecería difícil que con pocos elementos estructurales se pueda hacer un film tan atrapante y con conciencia política. Un cajón de madera, un irreconocible y brillante Ryan Reynolds, un celular, una linterna casi sin pilas y no mucho más hacen de esta película del español Rodrigo Cortés una genialidad.

El argumento es simple, pero efectivo: un camionero estadounidense Paul (Ryan Reynolds) es interceptado y atacado por un grupo de terroristas en Irak, mientras trabajaba allí repartiendo insumos, después del ataque se despierta dentro de un cajón, solo rodeado por los elementos antes descriptos.

El fuera de campo (aquello que no vemos en cuadro) juega durante todo el film un papel fundamental, es la clave para que el film salga a flote con pocos elementos y una única locación como escenario general. El celular sin dudas es un eje fundamental para traernos mediante la voz en off, a excepción de alguna escasa imagen, todo ese mundo exterior al cajón.

El espectador de por sí, desde el primer momento también está dentro del cajón, desde los primeros segundos del film con pantalla en negro, se oyen gritos, golpes y pedidos de socorro. En ningún momento durante los 95 minutos de película saldremos (los espectadores) de allí.

A principio los Iraquíes parecen los únicos antagonistas, los “malos”, los secuestradores, y más, pero con el correr del film, nos damos cuenta que no son los únicos: los servicios sociales Estadounidenses, parecen ineficientes, mentirosos, la empresa Estadounidense para la que Paul trabaja, con absoluta frialdad y falta de escrúpulos se libra de él vía celular, pero lo más llamativo son los militares que con urgencia deben rescatarlo y para hacerlo parecen temer demasiados inconvenientes, siendo entonces como mínimo ineficaces ante la emergencia de Paul; en resumidas cuentas a primera vista es de él de quien desconfían todos, ya sea por un motivo o por otro, lo van inculpando por diversa índole de manera prejuiciosa.

Cortés plantea un film con suspenso cautivante, donde parece no haber salida, surgen de inmediato y simultáneamente dos cosas antagónicas: la necesidad de escapar y su imposibilidad, en esa encrucijada se encuentra Paul, y nos encontramos todos nosotros,

Este film nos obliga a pensar cuán prisioneros somos de la sociedad y de la situación actual, del sistema capitalista siempre perverso, el film más allá de ponerse de un lado o de otro seguro cumple con un múltiple efecto: primero durante la expectación del film, el asombro, la ansiedad, el agobio del encierro y sin dudas el suspenso, luego una profunda reflexión de los múltiples aspectos que esta plantea. Pasando por el terrorismo internacional, hasta llegar a tocar a la corporación más grande del mundo actual, los Estados Unidos, sus políticas militares y de estado llegando hasta su regulación/legislación laboral, Rodrigo Cortés no se privó de nada y lo celebramos, por que nos brinda una película de la que seguro no podremos salir indiferentes y ese es su gran acierto.

MC

Buried - Official Trailer

Meridiano musical

Cruzando el puente, los sonidos de Estambul

Título original: Crossing the bridge, the sound of Istanbul
Dirección: Fatih Akin
País: Alemania
Año: 2005
Duración: 92 min

Intervenciones: Alexander Hacke, Baba Zula, Orient Expressions, Duman, Replikas, Erkin Koray, Ceza, Istanbul Style Breakers, Mercan Dede, Selim Sesler, Brenna MacCrimmon, Selim Sesler, Orhan Gencebay, Sezen Aksu.Producción: Fatih Akin, Klaus Maeck, Andreas Thiel, Sandra Harzer-Kux y Christian Kux.

Entre el oriente y el occidente se encuentra Turquía y su ciudad capital se expone como vidriera polifónica de sonidos varios y fusionados como pocos lugares del mundo suelen hacerlo. Estambul es el escenario de este periplo musical y se exhibe como el destino de músicos y cantantes del mundo entero que van en busca de inspiración y del secreto de esta bella ciudad.

El músico Alexander Hacke, miembro de la vanguardista banda alemana "Einstürzende Neubauten" durante más de 20 años, descubrió la ciudad de Estambul y su música mientras componía la banda sonora de "Contra la pared". Junto al prodigioso director turco-alemán Fatih Akin se embarcaron en este proyecto documental cuyo recorrido captura la diversidad musical de la metrópolis, desde los sonidos electrónicos más modernos, pasando por el rock y el hip-hop, hasta la música árabe más clásica.

El primer contacto fue con los miembros del grupo neopsicodélico Baba Zula que le pidieron a Alexander Hacke que sustituyera a su bajista. Así comenzó el descubrimiento de la música turca haciendo uso de un estudio móvil de grabación y su "micro mágico" con el que ha capturado sonidos exóticos en todo el mundo. Ha bautizado a este peculiar método, que le permite realizar grabaciones profesionales en casi cualquier sitio, como “grabación callejera”.

Mixtura de hemisferios, tradición y modernidad, ritmos cincopados, zapadas rockeras y repertorios de rapeo en turco son componentes de este documental del grandilocuente y venerado director Fatih Akin, cuya sensibilidad y convicción se transmiten por completo a través del fotograma.

Oriente occidentalizado u occidente orientalizado, ambos conviven y se fusionan constatemente en tierra turca, se retroalimentan y se mixturan y el resultado es un producto tan atractivo como extraño y sin duda encantador. Sonoridad que alucina al occidental más sudaca y que permite descubrir la música no sólo como combinación de sonidos y silencios sino como constitutivo cultural de la sociedad generadora de experiencia estética. ¡Sin duda una joyita más del adorado Fatih Akin!.

LD

Crossing the Bridge: The Sound of Istanbul - Trailer

Atenti, BARS para fanáticos!!!

Del 28 de octubre al 3 de noviembre de 2010 se realizará en Buenos Aires la décima primera edición del BARS, Festival Buenos Aires Rojo Sangre. Se proyectarán títulos inéditos o poco conocidos de géneros de culto en el complejo Monumental Lavalle (ubicado en Lavalle 780). El BARS es el evento más importante de su tipo en el país y una de las más convocantes en la región, con el mejor cine de terror, fantástico y bizarro en que compiten largometrajes internacionales mayor información de la programación del BARS pueden consultar la página oficial en la dirección web http://rojosangre.quintadimension.com/.

Ciclo de cine documental "La insoportabilidad de lo real"

19.30 HORAS, FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS UBA, PUÁN 480.BUENOS AIRES

La cátedra Libre de Derechos Humanos de FFYL y la Secretaría de Extensión universitaria, junto a un grupo de estudiantes de la carrera de Artes, organizan el ciclo de cine “La insoportabilidad de lo real”. Se realizarán foros de debate moderados por un representante de la cátedra libre de DD HH e integrados por figuras invitadas alrededor de los cuatro documentales seleccionados:

15 de Octubre 2010 "Orquesta Roja" de Nicolás Herzog.

Invitados especiales:
* Nicolás Herzog, director de "Orquesta Roja"
* Martín Bonavetti, Director ejecutivo de la Televisión Pública
* Carlos Barragán, músico y panelista de 678

País: Argentina
Año: 2007
Duración: 75 min.

5 de abril de 2000, Concordia, Entre Ríos. Dos importantes medios nacionales transmiten en vivo y en directo desde la ciudad más pobre del país, donde un grupo guerrillero se prepara para entrar en guerra contra el orden establecido. El líder del “Comando Sabino Navarro” se atribuye flamantes atentados, y dice tener conexión con las FARC en Colombia y con los zapatistas en Chiapas.
La noticia es una bomba mediática e invade la agenda periodística. Millones de espectadores y oyentes de radio siguen con preocupación las transmisiones. Pero, para esa misma tarde, ya era público y notorio que todo había sido una puesta en escena de José María Lima, Carlos Sánchez y Patricio Rivero, viejos militantes y líderes piqueteros, cansados de la indiferencia de las autoridades.
Después de la cárcel y la condena social, Nicolás Herzog los convence para que actúen su propia historia. Sin embargo, Orquesta Roja no es esa película, sino un cruce entre su making off, “cine dentro del cine”, policial negro con todas las de la ley, y documental, no sólo sobre el “confuso episodio” de aquel 5 de abril, sino sobre el papel de los medios de comunicación y el cine en la construcción de esa ficción que llamamos realidad.


22 de Octubre 2010 "Felices Fiestas" de Juan Barney
Invitados especiales a confirmar

Año: 2009
País: Argentina
Duración: 50min.

Felices fiestas es un documental independiente de características experimentales que toma como punto de partida la locura. Con pinceladas de humor, resultado de charlas con enfermos mentales, obliga a los espectadores a plantearse su propia cordura, ya que todas las conversaciones confluyen inevitablemente en un mismo lugar: la crisis social.
Hace cuatro años desde que Juan Barney, un joven realizador misionero, entró una noche en un pequeño neuropsiquiátrico donde trabajaba un amigo y conoció a Sara, una mujer de 100 años que motivó al director para llevar a cabo este proyecto. A partir de entonces, se inventó permisos falsos para que lo dejaran entrar en otros centros psiquiátricos con una cámara. "El fundamento del documental fue abordar la crisis social desde la locura… Y ahí se da vuelta todo. ¿Quién es loco y quién es normal? ¿Quién es normal para considerar a otro como loco?", se pregunta Barney y agrega “el documental se basa en los testimonios de los pacientes y de dos profesionales con posturas opuestas: un defensor de los derechos humanos y un defensor del modelo psiquiátrico más tradicional, el de los electroshock y las pastillas”.
En este film no solo se pone de manifiesto la vida miserable de encierro y el olvido al que son confinados los enfermos psiquiátricos, sino también las crisis por las que atraviesan dichas instituciones de salud y la sociedad entera.


29 de Octubre 2010 " 4 de Julio, La Masacre" de Juan Pablo Young y Pablo Zubizarreta Invitados especiales a confirmar

Duración: 101 min.
País: Argentina
Año: 2007

El domingo 4 de julio de 1976 tres sacerdotes y dos seminaristas fueron asesinados salvajemente en la Iglesia de San Patricio. Las autoridades militares elaboraron la hipótesis de un ataque extremista, pero los indicios encontrados no dejaron dudas sobre la participación de un grupo paramilitar ligado al gobierno de facto. Si la jerarquía eclesiástica había apoyado el golpe militar, semejante ataque al corazón de la Iglesia parecía no tener explicación. ¿Cuáles fueron los verdaderos motivos que llevaron a la masacre? Juan Pablo Young (guionista de Angelelli, la palabra viva) y Pablo Zubizarreta narran una de las historias menos difundidas de la última dictadura militar. Ganadora de dos premios Cóndor de Plata al mejor documental y Mejor Guión, y premiada en numerosos festivales internacionales. Con Julio Chávez en la locución del diario de Alfredo Kelly, una de las víctimas de la masacre.


5 de Noviembre 2010 "Blanco y Carmín, La Murga según Pasión Quemera" de Daniel Vidal y Paula Horman
Invitados especiales a confirmar

Música Original: Pasión Quemera
País: Argentina
Año: 2001-2006
Duración: 65 min

Pasión Quemera es una murga de Parque Patricios, un barrio tanguero de la ciudad de Buenos Aires. Al ritmo del bombo y del platillo, enfundada en los colores Blanco & Carmín, esta murga sacude los empedrados porteños. Empezando desde el barrio, pero siempre espiando más allá, lleva como estandartes la restitución del feriado del carnaval, la defensa de los derechos humanos y la autogestión como forma de organización. Pero no todos están de acuerdo. Con los carnavales a medio camino, dos posiciones antagónicas se disputaran el destino de la murga.

Repaso por la filmografía Ernst Lubitsch

Dentro del ciclo de cine "Poéticas Cinematográficas" que se presenta como un intento de prolongar, a través de charlas, el impacto de una visión, se introduce parte de la filmografia de Ernst Lubitsch. Sin duda, un evento poco común que recomendamos para amantes del cine. Se proyectarán:

02/10 - Ángel (1937)
09/10 - La octava mujer de Barba Azul (1938)
16/10 - El bazar de las sorpresas (1940)
23/10 - Ser o no ser (1942)
30/10 - El cielo puede esperar (1943)

La actividad es libre y gratuita y se llevará a cabo en el horario de las 18.00hs en la sede de APOC-OSPOCE en Bartolomé Mitre 1563, Ciudad de Buenos Aires.

El niño salvaje

Where the wild things are
Dirección: Spike Jonze
Año: 2009
Duración:
País: Estados Unidos
Elenco: Max Records, Lauren Ambrose, Chris Cooper, Paul Dano, James Gandolfini, Catherine O'Hara, Forest Whitaker.

"...Me dijeron que en el reino del revés cabe un oso en una nuez (...)"
El reino del reves de María Elena walsh

Así como Alicia cae en un hoyo y aterriza en el País de las Maravillas, en Where the wild things are el pequeño Max arriba a una isla desconocida vestido con un traje de lobo. Pero a diferencia de la rubia niña cuya caída es producto de la curiosidad y el infortunio, nuestro héroe es un chico desobediente y rebelde con mucha imaginación, aguerrido y decidido a alejarse de la incomprension y soledad de su hogar y marcharse a tierras lejanas. En un breve recorrido por estos territorios vírgenes, el pequeño descubrirá un grupo de seres enormes y bestiales que destrozan y arrojan árboles cual lanzador de jabalina en competencia olímpica. Completamente absorto por estas criaturas, se arroja a las fieras y se introduce a ellos como un par. El pequeño Max se regocija en su libertad pasando por todos los estadíos de salvajismo junto a sus amigos del bosque, mezcla de muñecos gigantes y animales, amigables y sumisos que le permiten desarrollar su imaginación en un nuevo mundo en el que él es rey y soberano. Estas criaturas acompañan a Max por un viaje de autodescubrimiento y, a su vez, cada uno de ellos encarna sus miedos y angustias, sus deseos y certezas.

Ésta es una adaptación del libro de Maurice Sendak publicado en 1963 que él mismo ilustró con poco texto y mucha creatividad. El genial director Spike Jonze adapta esta historia infantil y se encarga de darle su impronta propia. Su estilo inusual ya lo hemos visto en las maravillosas Being John Malkovich (1999) y Adaptation (2002) cuyos protagonistas, al igual que el joven Max, se debaten entre la incomprensión y la soledad. Recurriendo a un estilo más clásico y utilizando las técnicas de animación digital, Jonze se encarga de reflejar el mundo interior de un niño, los problemas de la infancia y la imaginación propia de esa edad.

Es justo destacar al joven Max Records en el rol protagónico el cual es un hallazgo sumamente feliz que frente a tantos mocosos deglutidos por Disney-Hollywood, se distingue por su desempeño y frescura actoral.
En esta aventura nos perdemos entre monstruos, juegos y analogías entre la realidad y la imaginación para descubrir que no se trata de un sueño o de un viaje fantástico sino de un universo peculiar donde los deseos y las pasiones se exteriorizan y el clasico cuento de hadas se reviste de una cuota de realidad propia de la mirada infantil.   que es un recorrido por un mundo donde Max se siente contenido y protegido pero donde deberá enfrentar sus propios fantasmas y conflictos.

Where the wild things are

Rock'n roll high school

Die welle
Director: Dennis Gansel
Año: 2009
Pais: Alemania
Elenco: Jürgen Vogel, Frederick Lau, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Christiane Paul, Elyas M’Barek, Cristina Do Rego, Jacob Matschenz, Ferdinand Schmidt-Modrow.


Con música de los Ramones comienza este largometraje lo que nos augura, por lo menos, cierto espíritu de rebeldía y descontrol adolescente. Sin duda, esta profecía se cumplirá trágicamente como resultado de un experimento estudiantil que se "va de las manos" y cobra vida propia poniendo en marcha una maquinaria ideológica fuera de control.

En las escuelas germanas suelen realizarse los denominados Projektwoche que consisten en un proyecto semanal en el que se toma un tema general - en este caso, formas de estado- y ciertos subtemas que son analizados y estudiados por los alumnos. El profesor Raimer Wenger (Jürgen Vogel) dedica, a su pesar, la semana cultural al estudio de la autarquía e introduce al alumnado las características propias de los regímenes totalitarios. Comenzando con unas simples normas de comportamiento y rectitud se empieza a impulsar el poder del grupo por sobre el individuo. Luego vendrá la uniformidad de camisas blancas como símbolo de pertenencia al grupo que terminará de conformarse cuando se comience a definir como La Ola. Desde allí, un desmadre de eventos se van esparciendo por todo el ámbito estudiantil demostrando la fuerza y poder del grupo que se ha establecido como un caldo de cultivo de agresiones, abuso de poder y desprecio de las minorías. A partir de un episodio violento desatado en un partido de waterpolo, el profesor Wenger, sobrepasado por la situación que "sin querer queriendo" inició en su aula, se ve forzado a suspender el experimento, sin tener en cuenta que ya no es él quien lo controla y que el poder de La Ola se ha desatado caóticamente.

En 1967, el profesor de historia de un instituto de Palo Alto en California, Ron Jones, se encontró ante una disyuntiva frente a la pregunta de uno de sus alumnos: ¿Cómo es posible que el pueblo alemán alegue ignorancia a la masacre del pueblo judío?. Así comenzo a planear un experimento con sus alumnos creando un régimen de extrema disciplina en su clase, restringiéndoles sus libertades y haciéndoles formar en unidad. El nombre de este movimiento fue The Third Wave. En esta historia real, se basa este film que como otros tantos (La vida de los otros, Los falsificadores, Cuatro minutos) se constituye como una prueba más de la autocritica que el cine alemán viene abordando sobre sus propios fantasmas.

Si el quid de la cuestión de "La Ola" radica en "¿Creias que no se podia repetir?", es válido preguntarse si realmente "todo tiempo pasado es pisado" y si actualmente no se repite esta manipulacion desmedida dentro de ámbitos de menor escala. Si la provocación de la pregunta busca una reflexión profunda sobre la repeticón de la historia y las atrocidades de los totalitarismos, la película se queda a mitad de camino entre la revelación y el resultado. La bola de psicosis colectiva que se va armando en base a La ola se va desinflando hacia el final de la película cual globo pinchado dejando un sinsabor amargo de vacuidad y un desenlace un tanto previsible. De todas formas, es interesante el tratamiento sobre el período de conformación del grupo, las individualidades marcadas de sus integrantes con los estereotipos más usuales (el deportista, la chica popular, el chivo expiatorio, el rebelde, etc.) y la adolescencia como terreno vírgen en la cual ejercer cualquier tipo de influencias.

LD

Die Welle

Subite a mi plato volador

Pájaros volando
Dirección: Néstor Montalbano
Guión: Damián Dreizik
Año: 2010
País: Argentina
Duración: 111 minutos
Elenco: Diego Capusotto, Luis Luque, Verónica Llinás, Alejandra Flechner, Damián Dreizik, Vanesa Weinberg, Juan Carlos Mesa, Osky Guzmán, Tahiel Arevalo, Lola Berthet, Atilio Pozzobón, Claudia Puyó, Miguel Cantilo, Norberto Verea, Miguel Zavaleta, Adolfo Sánchez, Jacquie Decibe, Sonia Boll, Eduardo Calvo, Víctor Hugo Morales, Antonio Cafiero.

"Fabio Zerpa tiene razón, hay marcianos entre la gente..."
(Andrés Calamaro)

En el pueblito serrano de Las Pircas hay seres extraterrestres que hacen contacto con los humanos y están buscando armar un equipo de cinco personas con capacidades diferentes para aprender sobre la raza humana. Si los ET en su intercambio interplanetario, llegasen a toparse con un film de semejante talla, tan bizarro como desopilante, sin duda se quedarían a festejar. Porque esta película es para festejar, tirar papel picado y serpentinas, reventar piñatas y pelearse por los juguetitos, festejar que este tipo de peliculas absurdisimas y comiquisimas existan en nuestra escena local.

Dos primos que formaron la banda de rock Dientes de limón en los ´80 con la que tuvieron el único hit "Pájaros volando", tomaron rumbos distintos: Jose (Capusotto) trabaja en una remisería, vive con su padre y aún toca con su banda en pubs, añorando el éxito pasado. Miguel (Luque) es un hippie que vive en Córdoba y trás un "encuentro del tercer tipo" ha cambiado su vida. Luego de un tiempo sin verse, Miguel viaja a Buenos Aires para convencer a su primo de mudarse a Las Pircas y acompañarlo en su viaje a otras galaxias. Así comienza esta aventura de los primos que tratarán de persuadir al resto de los viajantes que son dignos de semejante experiencia. Una lucha entre los "elegidos" comienza cuando Miguel propone a su primo para ser el quinto pasajero y el biólogo fanatico, otro de los elegidos, propone a un norteño tocador de siqus para ocupar el mismo lugar. Además, un desfile constate de personajes van condimentando esta comedia: desde Claudia Puyó como una hippie protestona, un Cafiero vendedor de pasajes de autobus, una Lola Berthet breve pero hilarante, un señor de los más extraño apodado Magallanes con su perro Culo, un gigante y un enano amigos de feria de Miguel y una Alejandra Fletchner policía, obsesionada con el supuesto tráfico de cocaína en la zona.

Los genios Luis Luque y Diego Capusotto repiten la dupla de "Soy tu aventura" del año 2002 y de la mano del director Néstor Montalbano encaran el viaje galáctico del humor. Hay escenas y pequeñas sumatorias de planos de antología pura así que para quienes compartan el gusto por el humor absurdo se descostillarán viendo esta comedia.

LD

Pájaros volando

Preludio semanal

TODOS LOS LUNES - 19:00 HS. ¡Para empezar la semana con tutti!

El mes pasado se estrenó en América Latina la exitosa serie musical estadounidense “Live from the Artists Den” en la pantalla de Fashion TV. Cada semana, la serie presenta a un músico contemporáneo de vanguardia tocando en un concierto íntimo, al que se accede sólo por invitación e incluye entrevistas con los artistas, así como interesantes datos sobre los lugares poco convencionales elegidos como entorno del concierto. Ya han pasado artistas como KT Tunstall, Patty Griffin y Josh Ritter. Durante los meses de septiembre, octubre y noviembre se presentarán: Crowded House en el Hall de la Gran Logia Masónica – Nueva YorkThe Swell Season en la Capilla del Buen Pastor – Seattle, Washington Ben Harper en el Festival de Música & Artes Bonnaroo – Manchester, Tennessee;Aimee Mann en la Catedral de Santa Vibiana – Los Angeles, CaliforniaRaphael Saadiq en el Club Harvard – Boston, Massachusetts Jakob Dylan en el Centro Cultural Desmond Tutu – New York CityIngrid Michaelson en el Cine Cape – Cape Cod, MassachusettsAni DiFranco en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania – Filadelfia, PennsylvaniaThe Hold Steady en el Old Emigrant Savings Bank – Nueva York “The Artists Den” presenta a los mejores músicos, tanto emergentes como ya establecidos, en escenarios únicos de todo el mundo.
Esta iniciativa comenzó como la visión de un amante de la música, que imaginó organizar destacados conciertos de música en vivo en espacios no tradicionales. “The Artists Den”, que comenzó como una serie de conciertos en residencias particulares, posteriormente se amplió para incluir actuaciones inolvidables en Estados Unidos y Europa, por parte de algunos de los nombres más importantes de la música actual, en algunos de los lugares más interesantes e inesperados que uno pueda imaginar. Las grabaciones de los conciertos están disponibles en CD / DVD a través de Artists Den Records. Para mayor Información, visite TheArtistsDen.com

Notición para los que amamos la pequeña-gran película Once

Como mencionamos anteriormente, The Swell Season se presenta tocando en la Capilla del Buen Pastor en Seattle, Washington. En la segunda entrega del mes será el turno del dúo formado por el vocalista y guitarrista irlandés Glen Hansard (ex The Frames) y la pianista y vocalista checa Markéta Irglová quienes en 2007 fueron premiados con el Oscar a la Mejor Canción Original por la película musical irlandesa 'Once', en la que, además, ellos mismos eran los actores protagonistas. La popularidad del dúo llegó a llevarles a parodiar sus papeles en 'Once' en un episodio de Los Simpson. También en 2007, ambos participaron en la banda sonora de la película de Todd Haynes 'I'm not There', sobre Bob Dylan, con una versión del tema 'You Ain't Goin' Nowhere', del maestro de Duluth. Este 2010 The Swell Season publica su esperadísimo segundo disco, 'Strict Joy' , que toma su nombre de un poema del irlandés James Stephens.
En una fría noche de otoño, la Capilla del Buen Pastor en Seattle, construido en 1906 como un asilo para muchachas jóvenes y huérfanas, se transformó, nuevamente en un calido refugio para los doscientos invitados de este especial de Artist Den. La capilla enmarcada por altos arcos de madera, fue alumbrada por la luz de las velas mientras que el dúo Irlandés deleitaba a su audiencia con una especial performance de sus mejores canciones melódicas, originales, varias de cuales fueron destacadas en la película Once. Así que a prepararnos para escuchar los "temones" de este dúo alucinante!!!

Sideral desconexión

Lars and the real girl
Dirección: Craig Gillespie
Pais: Estados Unidos
Duración: 106 minutos
Año: 2007
Reparto: Ryan Gosling, Patricia Clarkson, Emily Mortimer, Kelli Garner, Paul Schneider



Tímido, retraído, hermitaño e imposibilitado de demostrar o recibir cualquier gesto de afecto, al punto en que el más mínimo contacto físico le produce espasmos, el joven Lars Lindstrom lleva una vida sumamente tranquila y solitaria viviendo en el garage de la casa de sus padres, que luego de haber fallecido es habitada por su hermano y cuñada. La imposibilidad de Lars de crear vínculos y sus fobias al contacto con otros seres humanos lo llevan a desarrollar un idilio amoroso con Bianca, quien se vuelve su objeto de cariño y contensión. Esta relación genera revuelo cuando se enteren que Bianca, desposeída de toda humanidad, es una bella muñeca inflable que encarna las fantasías de Lars. Vale aclarar que sus fantasías no son de tipo sexual como podría deducirse fácilmente, de hecho, Lars expresa que Bianca es una muchacha religiosa que desea aguardar hasta el matrimonio para tener relaciones sexuales.

Sin embargo, la comprensión y cariño no sólo de su familia sino también de su comunidad le permiten a Lars desarrollar su delirio amoroso. Con el consejo de la psicologa del pueblo, todos comienzan a "seguirle la corriente", desde bañar y alimentar a Bianca hasta llevarla a la peluquería y la misa dominical. Es aceptada de manera tal que Bianca comienza a tomar entidad propia al punto en que sale de noche a eventos de caridad dejando al joven lloriqueando cual perro mojado.

El tamagochi, la famosa mascota virtual de los años ´90, le permitia a los niños "interactuar" con un ente que requería cuidados (algunos absurdos como los 5 minutos de TV diarios) y los acercaba a las responsabilidades de tener alguien/algo a cargo o ,en el peor de los casos, perder el interés y dejarlo morir. Aquí Lars no sólo se hace cargo del cuidado de Bianca, de alimentarla y amarla, sino que además ella constituye un vehículo que le posibilita exteriorizar sus deseos y sentimientos reprimidos. Esta muñeca en silla de ruedas le permite a Lars abrirse a los demás y lograr una conexión real con el mundo, es una extensión de sí mismo y sólo a través de ella puede relacionarse. Cuando Lars comienza a interesarse por Margot, una simpática compañera de trabajo que ya había posado los ojos en él, el vínculo con Bianca empieza a debilitarse. Luego de haber pasado la noche con Bianca, Lars anuncia que ella se encuentra inconsciente. Así es como la muñeca comienza a morir y el delirio del joven a extinguirse.

Aunque de primeras puedea resultar un completo demente Lars es una persona extremadamente sensible y la relación con su muñeca le permitirá evolucionar. Es sin dudas interesante el tratamiento que se hace sobre Bianca ya que a pesar de ser completamente inanimada logra transmitir la emotividad que le impregna Lars.

Una película chiquita ("indie" para el mercado norteamericano), sin grandes pretensiones y una moraleja sencilla pero agradable de ver y emotiva.

LD

Lars and the real girl

La Mirada Invisible

La Mirada Invisible
Director: Diego Lerman
Elenco: Julieta Zylberberg, Marta Lubos, Osmar Nuñez
Duración: 97 minutos
País: Argentina
Año: 2010

“…Esta tierra que es una herida
que se abre todos los días
a pura muerte…”
(Patricio Rey y sus redonditos de ricota)

Esta historia nos posiciona en el año 1982, en el Colegio Nacional Buenos Aires, la protagonista es María Teresa (Julieta Zylberberg), una novata preceptora, que intenta con rigidez y severidad cumplir con su flamante rol, obedeciendo y satisfaciendo las demandas de su superior el prefecto Biasutto (Osmar Nuñez).

El ambiente del colegio es extremadamente disciplinado, y el clima agobiante, va creciendo con el correr del film, el control sobre alumnos, primero con esa firme y gélida marcha sincronizada hacia el aula, luego el operativo de Maria Teresa, que preocupada se reporta a sus superior e investiga para corroborar si los alumnos fuman en el colegio, llegando incluso a esconderse en el baño de hombres para descubrirlos y reportarlos a las autoridades; también mide y revisa constantemente el largo de pelo y estado de uniforme de cada alumno a su cargo y más ; pero para Biasutto eso no basta y le solicita detectar y destruir el “Cáncer” subversivo que haya en la institución, y para ello hace falta redoblar el control operando con lo más efectivo: “la mirada invisible”, a todo momento, todo el tiempo.

María Teresa vive con su madre y su abuela, lleva una vida rutinaria y tensa, del trabajo riguroso a la disfuncional casa, en el trabajo (y fuera de él) sufre de las burlas de sus compañeros, las presiones de su superior. Más aún su ya habitual puesto de control (baño de hombres) comienza convertirse en un lugar excitante y ella llega a obsesionarse con un alumno a tal punto de: revisar su bolso, observarlo todo el tiempo, comprar su mismo perfume y olerlo en su cama todas las noches o bien incluso desvanecerse ante él.

La violencia va ascendiendo en una escalada de hostilidad, en diversas formas: el contexto exterior al colegio, es un clima de dictadura militar, un clima bélico además (se ubica el relato en vísperas de la Guerra de Malvinas), la delación, la burla, la persecución y los crímenes son moneda corriente dentro y fuera del colegio, todo se suma generando un contexto denso y agobiante donde se lleva a cabo la historia, llegando a los límites más oscuros.

Las actuaciones de Zylberberg y Nuñez son impecables, ella alcanza un punto de no retorno, intenso y duro, atraviesa toda serie de situaciones y estados, pagando caro el precio de estar en el ambiente en que está, y él imparte autoridad con su sola presencia, con voz seductora hace y dice las cosas más terribles.

La factura técnica es muy prolija, la reconstrucción de época correcta, el metraje adecuado, abundan planos de imágenes cautivantes, tanto de las locaciones, como de los personajes, los guiños de audio, son un hallazgo, un haz de luz en la oscura historia, que enmarcada dentro de una temática fuerte (dictadura militar Argentina) posee una óptica y un planteo muy original.
Mención aparte para la espeluznante y muy acertada aparición en pantalla (mediante un fragmento documental) de el ex dictador Leopoldo Fortunato Galtieri, “La Mirada Invisible” se nos revela sin dudas como una de las grandes películas nacionales del año, que merece ser vista ya!.

MC

La mirada invisible

Vida de perros

Marley & Me/Hachiko, a dog´s story

Estos últimos días, de casualidad, sin premeditación alguna me encontré viendo dos películas con argumentos relativamente similares, que involucraban al “mejor amigo del hombre”, los perros!.

Hay un mito en Hollywood que dice que para garantizar efectividad de las películas, hay que poner en la trama siempre un niño y un perro, o animales. Estamos entonces en condiciones de afirmar que en el caso de estas dos películas: Marley y yo (Marley & Me, David Frankel, 2008) y Siempre a tu lado (Hachiko, a dog´s story, Lasse Hallström, 2009), parecen valerse fuertemente de dicha premisa de la industria cinematográfica más poderosa del mundo.

“La máquina de sueños” se despachó en estos dos casos con un combo que se compone de artillería pesada: star system (Actores famosos y conocidos, sobre todo con capacidad de convocar al público por su sola presencia: Jennifer Aniston, Owen Wilson, Richard Gere, etc), importantes estudios (por ejemplo Fox en el caso de Marley & Me) y sin dudas el personaje más fiel y leal de todos, capaz de conmover hasta las lágrimas y divertir en igual medida, el perro.

Es inevitable pensar que esas historias íntimas, familiares, que narran estos films, mostrando le relación, tanto de los perros con sus tutores y el entorno familiar de estos, sino también la de los integrantes de las familias que conviven con los perros.

Es interesante observar que esas mascotas, devienen en ambos films, en entidades claves dentro de la familia, siendo catalizadores de odios, incertidumbres, y rechazos, monotonía, etc, tanto como propiciar la pareja o el inicio de la familia, y ser amados, adorados fieles compañeros y más; en ambos casos poniendo a los tutores humanos frente a su destino, modificando sus vidas en definitiva, tanto “Hachi” el fiel akita que todos los días espera al profesor interpretado por Richard Gere en la estación de trenes para siempre, o “Marley” que a pesar de ser un labrador inquieta y juguetón que altera a sus dueños (Aniston y Wilson) es eje en la constitución familiar de la joven pareja.

En fin, concluyo reflexionando en estas películas que conmueven,(mediante el uso de golpes de efecto, a veces bajos…) a cualquiera que haya experimentado la vida con una mascota y más aún con un perro, seres animales que al menos a decir de estos films... operan profundamente en la condición y sensibilidad humana, haciendo más humanos y sensibles a sus dueños, ¿será también efectivo en los espectadores?.

MC